Que Alexander Payne es uno de los cineastas más brillantes de la actualidad es algo colectivamente reconocido desde “Election”. Las películas de Alexander Payne son efectivamente comedias, pero no son comedias que se limiten a satirizar caracteres perfectamente reconocibles en la sociedad. Las comedias de Payne son comedias involucradas en las historias que cuentan, y por lo tanto, la comedia deja de ser por momentos comedia. Y esto fue así en “Election”, donde Mathew Broderick, aparte de vivir más de dos y más de tres situaciones de profundo ridículo y pérdida, desarrolla un sentido más que crítico, comprometido con sus ideas, por muy caprichosas que parezcan –como ese boicot al repelente personaje de Reese Witherspoon-. En “About Schmidt” ocurre lo mismo, aunque la lucidez de Schmidt, en cambio, no viene de sus propias ideas, sino de las circunstancias fortuitas e inevitables que se le ponen delante de sus ojos. Y en “Entre copas”, su cuarto filme, se vuelve a abordar a ese personaje de perdedor, por partida doble, y de nuevo es palpable la involucración de su director y su coguionista Jim Taylor, pues detrás del patetismo mostrado, en parte paródico, se esconde uno de los dramas más amargos y profundos que con semejante premisa se pudiera esperar –algo que no ocurría de tal manera en “La extraña pareja”-.

Esta es una de las mayores sorpresas de los últimos meses, por no decir de los últimos años. Pero no es una película fácilmente reconocible. No es fácil entrar en una película con aspectos visuales y auditivos tan peculiares. En cuanto al primer grupo, es sorprendente cuanto menos, una fotografía tan saturada de luz, pero a la vez, poco preocupada por parecer preciosista. Payne coloca la cámara y en ocasiones encuentra banalidad y en otras profunda poesía, pero siempre capta un detalle de destacada significación. Lo mismo que ocurre con la banda sonora, que se antoja en un principio como un divertido homenaje a las sintonías de las telecomedias americanas de los años 70, pero que en determinados momentos se torna triste, demoledoramente melancólica y es cuando se tiene la certeza de que lo que está contando el cineasta norteamericano es una historia de ineludible calado filosófico y romántico.

La comedia en esta película no es más que una anticipación del drama, drama implícito en las venas de estos personajes, sobre todo el de Paul Giammatti, protagonista indiscutible de la función, que, desde su particular infierno recorre un último camino, el más sencillo, hacia la verdad. Una dosificación perfectamente estudiada que, no sólo funciona: se queda en los sentidos, por mucho tiempo, y es de esperar que no se vaya jamás.

La primera trilogía era un festival de referencias cinéfilas al western, la capa y espada, al cine de directores como Howard Hawkes, John Ford, Raoul Walsh, y a otros grandísimos cineastas, que tanto tuvieron que ver con el western, como Akira Kurosawa –es de todos sabido que su “Los siete samuráis” fue la inspiración de más de un western, pero sobre todo, de “Los siete magníficos”, aunque también hay referencias a “Dersu Uzala”, sobre todo en lo referente al veterano y verdoso jedi Yoda. Guión propio para la primera película realizada, y colaboradores de lujo como Leigh Brackett, guionista de “Hatari”, y otras películas de Howard Hawks, además de Lawrence Kasdan, uno de los mejores guionistas norteamericanos de los últimos años –con algunos bajones considerables, pero con guiones de altura como el de la primera parte de la saga de Indiana Jones-, en las siguientes. Diálogos ágiles, mucho sentido del humor, y situaciones de vértigo, todo ello con una medida y un sentido de la cadencia ejemplar. Y, claro, hablar ahora de la puesta en escena, de los efectos visuales, y por supuesto, de la banda sonora de aquellas películas puede ser ya abusar de los tópicos. En todo caso, al igual que la inmortal partitura de John Williams, las dos primeras películas –evidentemente, “El retorno del jedi” sólo puede ser recordada por ser un correcto e inevitable cierre, bien concebido sobre el papel, pero demasiado blando en la pantalla- son toda una sinfonía, cuidada nota por nota, donde se logran los momentos más emocionantes, impresionantes y a la vez embriagadores. El cine hecho espectáculo, como nunca antes siquiera se había soñado. Si Robert Evans cambió el tipo de cine en los 70, George Lucas le dio un definitivo toque sinfónico al séptimo arte –lo que muchos otros habían intentado antes, no por menos se dice de Stanley Kubrick que llegó a envidiar que se hiciera un tipo de película como “La guerra de las galaxias”, que siempre quiso hacer una película de ese tipo, donde el cine fuera como un sueño, lo más parecido a un sueño, más allá de la ñoñería de las historias de fantasía al uso-, logrando que la experiencia, por inabarcable, por desbordante, fuese recibida por cada espectador como lo más parecido a un sueño recibido de una pantalla. Aunque claro, este no debe ser el fin único y último de una película, pero ese es otro tema.

No es de extrañar que cualquier niño que viera la primera trilogía en su día, considere haber aprendido mucho de esas películas. No por menos, muchos directores confiesan haber sentido la llamada del cine viendo estas películas –y no sólo los conocidísimo Peter Jackson y James Cameron, sino, sin ir más lejos, Juanma Bajo Ulloa, Alex de la Iglesia, Alejandro Amenábar y muchos más cineastas de nuestro país-. Por lo tanto, la importancia de la existencia en nuestros días de otra serie de tres películas que nos muestren lo que ocurrió antes de que la guerra civil estallara, fue una noticia ineludible.
Y el resultado no pudo ser más gratificante. “La amenaza fantasma” resultó ser una película que a corto o a largo plazo, cumplía las no pocas expectativas. Y es que en un primer visionado nos encontramos con una premisa épica tan bien presentada como aquel episodio cuarto con Mark Hamill, Carrie Fisher y Harrison Ford, y no sólo en cuanto al empaque visual, que evidentemente es superior, pues George Lucas aquí ya era ese “director independiente” que siempre soñó ser -¿pueden ser consideradas “La amenaza fantasma” y los otros dos episodios películas independientes?-. Una buena historia, donde se van lanzando los cabos que bastantes años antes fueron atados, con un aire místico bastante agradecido, unos personajes verdaderamente entrañables –sobre todo el de Natalie Portman, actriz sin la cual, no hubiera sido posible la emoción y tristeza de la última película, una melancolía que marca la diferencia con la primera trilogía, y es que, de aquella trilogía se dice que rozaba la perfección, pero está claro que le faltaba eso-, un aire de de misticismo bastante agradecido y un duelo final simplemente sobrecogedor, aparte de la marca de la casa, ese montaje paralelo con tres momentos de acción simultáneos –también sello de algunos clásicos de su Coppola, conocido amiguete de Lucas-.

No menos apasionante resultó, “El ataque de los clones”, más complicada que la anterior, más arriesgada también, y a la vez, muy clásica. Una película que va ganando con el tiempo, y que marca las pautas de lo que será el final de una historia y el principio de otra. Si “La amenaza fantasma” era la premisa épica, este segundo episodio era sin duda la historia de amor y guerra que la trama necesitaba. Un derroche visual y auditivo –el tema principal creado por Williams para la película es considerado, con mucha razón, como uno de los temas más bello que ha compuesto en toda su carrera-, y la prueba clara de que esta trilogía es algo más que una serie de interminables referencias cinéfilas, esta nueva saga es una reflexión más madura e intelectual sobre el bien y el mal de lo que fue la anterior. Tiene más de “El corazón en tinieblas” que de “Centauros del desierto”, más cercana a Coppola y sus pesadillas bélicas, que del puro entretenimiento. Y es que, esta nueva saga, no es otra cosa que la introspección de un personaje, que empieza siendo bueno, acaba siendo malo, y muchos años después, vuelve a ser bueno, como ocurre en “El padrino”, según palabras del propio Coppola, sin ir más lejos. Un estudio de un personaje que ya en aquellas primeras películas era irresistible para todos, y para muchos, la verdadera razón de ser de la serie. Algo que Lucas nunca pasó por alto.

Y así hasta llegar a la película que ahora tenemos en cartel, “La venganza de los Sith”, sin duda la mejor de las tres películas, por mostrar el clímax de la historia y la verdadera razón de ser de las seis películas. Una película francamente reconfortante, tanto para quienes creen que la saga debería empezar ahí –algo perfectamente plausible-, como para quienes creemos que es un maravilloso último acto de una película de seis horas francamente fascinante, y en conjunto –aunque parezca una “blasfemia”-, superior a la anterior saga. Y es que es el final que se esperaba, pero no exactamente de la forma que se esperaba, y en esa considerable sorpresa está el verdadero regocijo. Todos imaginábamos desde hace tiempo ese duelo a pie de volcán entre Annakin y Obi Wan, pero ese toque de tragedia griega, esas volcadísimas interpretaciones, y toda la carne musical y artística puesta en el asador, hacen que la sinfonía espectacular que suponía la primera trilogía sea superada por esta opera sublime tan bellamente cerrada por ese plano del ocaso –es sorprendente lo bien que filma los ocasos este cineasta, con permiso de Terrence Malick, como bien demostró en la maravillosa “American Graffiti”-, que bien podría ser el principio del legendario episodio cuarto.

Es además “La venganza de los Sith” la constatación de que algunos de los fallos de los anteriores episodios, no deberían considerarse como tales, como es el caso de la blandura de “La amenaza fantasma”, y personajes entendiblemente repelentes como Jar Jar Binks, en realidad, todo un logro, pues precisamente esa levedad, ese la pseudo-blandenguería de aquella, es el motor de la profunda melancolía de los últimos minutos de este último episodio, por el contraste que resulta del recuerdo de aquellas, y por ver a esos personajes tan positivos, tan festivos, tan de película de Disney, afligidos y derrumbados por el devastador triunfo del mal.

Por último, destacar el aspecto menos disimuladamente político de estas tres películas, que, puestos a comparar con la mil veces comparada trilogía de “El Señor de los Anillos”, resulta ser más convincente, y es que, mientras la trilogía de la Tierra Media nos ofrecía una alegoría de un dictador omnipotente, que surge del mismo mal, que actúa tiranizando alimentado por el propio poder, un señor de la guerra sin más oficio que el de someter a la gente con su poder demoníaco, esta trilogía galáctica nos ofrece un tipo de tirano más reconocible, pues aquí, el tirano es un tipo que sube al poder a base de engañar a la gente, a base de colocarse al lado de los oprimidos, para conseguir el poder a base de engaños, de jugar con el miedo y los temores más dolorosos de la gente y utilizarlos en beneficio propio, para después desenmascararse, como en estos tiempos hace uno que todos bien conocemos. Toda una valiente denuncia, equiparable en su género, a la que hizo en su día –salvando las distancias- Chaplin con “El gran dictador”. No se puede pedir más.